HAN GONG-JU (PRINCESA) (Lee Su-jin, 2013)

INOCENCIA PERDIDA

El cine asiático, valiéndose de una rica tradición cultural y espiritual,  siempre ha sido especialmente llamativo, estético y crudo a la hora de mostrar los dramas más conmovedores con total desenfado hasta el punto de tocar nuestras fibras más sensibles y descolocarnos por completo. Para todos los que hemos vistos cintas como Cuentos de Tokio, Old Boy, Dolls, Hana-Bi, samaritan girl,  entre otras  joyas, el hecho de no poder olvidarlas, es un prueba  más de la eficacia y vigencia de este cine.

La protagonista de la película, Han gong ju, es una niña en edad escolar que está pasando por una fase de cambio al asistir a un nuevo colegio. Ella ha sido trasladada por un ex profesor quien le lleva a vivir a la casa de su madre, una mujer madura que tiene problemas a menudo y es dueña de un bazar. En medio de ello,  una díscola e introvertida gon ju intenta sobrellevarlo todo: la pérdida de una amiga, la indiferencia de sus padres, la angustia de la soledad, la incapacidad de poder expresar lo que siente, etc. Sus únicas vías de escape son la música y un grupo de chicas que le procuran algo de alegría y le hacen sonreír tímidamente aunque sea un par de veces durante toda la trama. No es sino hasta bien avanzada la película que nos enteramos de las terribles circunstancias que rodearon  a gon Ju y cómo estas se manifiestan a menudo en la forma de ser, actuar y sentir de la protagonista.

El director coreano, Lee Su-Jin, nos presenta de una manera llana, realista y crítica un tema tan delicado como el abuso infantil y para esto se vale de una especie de collage donde nos muestra fragmentos del presente y del pasado de gong ju que se van uniendo a través de unos primeros planos muy íntimos y evocadores. La narración se sigue a tope y todo empieza a fluir de manera tensa, incomoda pero visceralmente humana al punto de identificarnos con el drama de gon ju y sentir en carne propia sus heridas como si se tratara de nuestra hermana, hija o amiga. La pulsión dramática a tono con el sentido de objetividad de la historia, es decir, el hecho de presentar las escenas sin emitir juicio ni hacerla menos densa o llevadera, son de los mayores atributos del filme

  

La fotografía, los matices y los tonos vivos de las imágenes que sirven como herramientas para “iluminar” una historia que por si está llena de oscuridad, al igual que los movimientos de  cámara que siguen a la protagonista en todas sus desventuras, exponiéndonos a los momentos más desgarradores, están magníficamente integrados en la película. Otro elemento resaltante es la calidad de las actuaciones como las del grupo de niñas que intentan hacerse amigas de gon ju, sin lograr su cometido o la de los padres de la protagonista, un alcohólico y una irresponsable, personajes anónimos, crueles aunque brillantemente interpretados. Mención aparte, la impresionante actuación de chun woo- hee,  la actriz de 28 años que encarna a una niña de 14/15 años con total naturalidad y dramatismo.    

Gon ju es una niña como muchas otras, lamentablemente, marcada por una fatalidad y que trata de sobrevivir a cuestas de lo poco noble y humano que encuentra a su alrededor, de ahí que la historia tenga una carácter social y universal: una niña víctima de la violencia más despiadada a quien todos tratan de evitar, completamente sola y avergonzada por un crimen que no cometió; una estadística más que nos avergüenza y nos lleva a una honda reflexión. En una parte de la película, la protagonista desconsoladamente dice: “no entiendo porque yo soy la que tengo que huir si no he hecho nada malo”, en esa frase lapidaria se encierra toda la impotencia y el absurdo de un sistema retorcido y cruel.

Considerada como la mejor película coreana del 2014, Han gon-ju es una película dura, reflexiva, humana y desconcertante. Una joya que merece verse y cuyo final es uno de los más poéticos y liberadores de todos los tiempos. El titulo en español es PRINCESA, no podía haber una traducción mejor.


HAN GON-JU (PRINCESA)   TRAILER

EX MACHINA (Alex Garland, 2015)

LA SEDUCCION POR LAS MAQUINAS

El escritor y productor Alex garland (1970), guionista de películas memorables como “28 días después”,  “sunshine”  y  “Nunca me abandones”, es el responsable creativo, guionista y director debutante de “Ex Machina”, película que guarda cierta complicidad artística y temática con los anteriores títulos rescatando para sí lo mejor del género de ciencia ficción: su capacidad para impactar, buscar la reflexión y criticar la sociedad tan hermética y solitaria en la que vivimos.

Luego de ganar un concurso  para visitar un centro de investigación ubicado en una isla paradisiaca, Caleb (Domhnall Gleeson) conoce a Nathan (Oscar Isaac), CEO de su compañía y responsable de un programa de inteligencia artificial que lo mantiene aislado dentro de la isla. La misión de Caleb es examinar el comportamiento de  Ava (Alicia Vikander), un bello androide encerrado en la silueta de una joven y determinar si es capaz de razonar y tomar decisiones por sí misma, es decir, si puede convertirse en el primer prototipo de inteligencia artificial con forma humana. Durante los 7 días que dura la prueba, Nathan, Caleb, Ava y Kyoko (Sonoya Mizuno), un androide convertida en sirvienta, intentan llevar sus vidas en aparente calma y normalidad, dentro de un ambiente relajado,  con vistas fantásticas, lejos del bullicio y del mundo, un lugar que funciona como una especie de paraíso (atención con los simbolismos: “El Edén”, “el creador” y “Eva”), programado para facilitar el trabajo de Caleb y Nathan y satisfacer todas sus necesidades.

Es acá, donde nos convertimos en espectadores privilegiados (lo que se traduce en una de las grandes virtudes de la película). Todo lo que vemos nos seduce, nos atrae, nos conmueve y capta nuestra atención. Lo visual y lo sonoro se fusionan y cada plano adquiere valor y belleza, sobretodo, aquellos que nos muestran los acercamientos entre Caleb y Ava; los silencios, las miradas furtivas, la tensión sexual entre ambos (la dupla Deckard-Rachel de la genial Blade Runner nos viene a la mente) representan los momentos más sublimes y enigmáticos del filme.

A medida que avanza la historia, la trama se hace más interesante, compleja y misteriosa, surgen las intrigas y el relato se vuelve más intenso e impredecible, al punto de no darnos cuenta realmente quién examina a quién, si Caleb a Ava (como era su misión) o si Ava a Caleb (Ella  termina por establecer una relación tan íntima con El, que parece manipularlo y estudiarlo en todas su facetas y contradicciones), si Nathan a Caleb (hay discusiones muy interesantes que así lo confirman), o si Kyoko a Nathan (el final lo sugiere). Todo es tan relativo, desconcertante e incierto como la vida misma. 

El suspenso da paso al  drama y luego al thriller y los límites entre la realidad y la ficción se tornan muy difusos. Nunca sabemos si Ava en realidad es un androide capaz de sentir, razonar, seducir, etc.,  o si ha sido programada por Nathan para actuar de ese modo y engañar a Caleb y al resto. En una de las escenas cruciales, Nathan le confiesa a Caleb que ha usado todas las interacciones existentes de rostros, gestos, emociones, sentimientos, etc., para configurar la “conciencia” de Ava, lo que significa que su mente es una especie de amalgama de todos, una representación vívida del ser humano, lo que plantea varias interrogantes. Estamos ante una inteligencia superior?, el creador es absorbido por su creación ?, algún día seremos como Ava ¡?, etc., etc.   

Ex machina funciona también como una especie de fabula sobre la naturaleza del ser humano: su ego e inteligencia para crear, manipular y demostrar constantemente que es el centro del universo, al igual que su fragilidad y desconfianza frente al otro, la tecnología y todo lo que aún desconoce y teme. En este contexto y bajo los lineamientos de la película, la inteligencia humana (el hombre con todos sus defectos y virtudes) y la inteligencia artificial (representada por Ava y kyoko) se complementan y se visualizan como un espejo; el hombre “robotizado” sin propósitos ni fe se contempla a sí mismo en el androide capaz de pensar, seducir, soñar, aleccionar y superponer su realidad y sus intereses a los del resto.

Más allá de la filosofía y las profundas reflexiones que nacen y se sustentan en un magnífico guión son muchos los aciertos de la película, desde su ambientación llena de contrastes (lo artificial y lo natural en perfecta armonía), los climas, los colores y la estética (empezando por el diseño de Ava) hasta la fluidez del relato, los efectos y las brillantes actuaciones del trio protagonista, sobretodo, el de la actriz sueca A. Vikander, que combina a la perfección la delicadeza y la melancolía propia de una joven víctima, usada por una inteligencia “superior” con la frialdad y la astucia de un androide capaz de todo, un personaje que difícilmente olvidaremos.     

Ex Machina es una película “futurista” profundamente humana, técnicamente impecable,  reflexiva  y sobrecogedora. Uno de los mejores estrenos del 2015


EX MACHINA   TRAILER

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER (Stephen Chbosky, 2012)

 

 

LA ETERNA JUVENTUD

Aunque la traducción literal de la obra: The perks of Being a Wallflower, sea poco llamativa (algo así como “las ventajas de ser tímido” ó “invisible”, en versión filme), se trata de uno de los títulos más interesantes de la actualidad al retratar con total realismo, nostalgia y poesía la marginalidad y soledad de un adolescente dentro de su grupo y cómo es capaz de sobrellevar los tormentosos vaivenes propios de su edad que le desafían constantemente. La película es una adaptación del libro del mismo nombre del escritor Stephen Chbosky, uno de los pocos casos de autor-director con éxito, siendo capaz de imprimir en la pantalla toda la sensibilidad y el drama de su propio libro. Quizá, un ejemplo en las antípodas en tema y forma sea “las noches salvajes” de Cyrill Collard, película de culto en la que el escritor francés dirige y actúa en la propia versión de su libro que retrata con crudeza su condición de seropositivo y su continuo camino hacia la autodestrucción. Otro ejemplo en la misma linea es "Hellraiser" del genial Clive Barker, autor y director de su propia novela convertida en un clásico del horror y en una saga con más de 8 secuelas. 

La historia comienza cuando Charlie (Logan Lerman) está escribiendo una carta a alguien que no conocemos contándole el inicio de su primer año de preparatoria y todas las dudas y las angustias que le provoca esta nueva etapa en su vida. La razón de ello es que Charlie es un solitario en potencia, muy listo, aunque muy reservado y pensativo; un chico de esos que no tiene amigos (su mejor amigo falleció el año pasado) y se refugia en la música, los libros y los extraños recuerdos de una tía muy querida que le marcó de niño. La mente inaccesible de Charlie y su personalidad distante le otorgan un aura de misterio y nostalgia, un elemento crucial que trasciende y se mantiene durante toda la trama.

Charlie conoce a Patrick (Ezra Miller) y Sam (Emma Watson), una pareja de hermanastros que viven la vida al máximo y disfrutan de los amigos y las fiestas. El magnetismo de ambos es avasallador y Charlie se ve rápidamente atrapado en un círculo de amistad y fraternidad que nunca había experimentado. La elocuencia de Patrick (un brillante Ezra Miller) y la dulzura de Sam (una magnífica Emma Watson) hacen que Charlie se sienta aceptado (quizá, por primera vez) y parte de algo importante y valioso; una nueva familia representada por un grupo de adolescentes delicados, sensibles, rebeldes y ansiosos por vivir nuevas experiencias. Pero no todo es felicidad. La vida también es sufrimiento y pena y Charlie lo manifiesta enamorándose de Sam, quien lo trata con cariño y familiaridad, como el hermano serio e introvertido que no tiene, a quien puede contarle todo. Charlie es incapaz de declararse a Sam, es más, tiene que pasar por el suplicio de verla con otro, haciéndose realidad una de las frases capitales de la película: “aceptamos el amor que creemos merecer”

También está el profesor de literatura, Mr Anderson (Paul Rudd) quien se vuelve una especie de mentor de Charlie, orientándolo y recomendándole libros. La enamorada de Charlie, Mary Elizabeth (Mae Whitman), una amiga del grupo practicante del budismo y controladora, cuya relación es clave para que afloren los  verdaderos sentimientos de Charlie hacia Sam. Todos los actores lucen fantásticos en sus respectivos papeles, sobretodo, Ezra Miller quien es el alma de la película y representa el lado más insolente y cómico, aunque también el más vulnerable de toda la historia, muy útil para aligerar el drama y el suspenso. No podemos dejar de lado la música. Una película de adolescentes no sería la misma sin una buena colección de temas musicales que reflejen la celebración y la libertad en todas sus variantes. Primero, un sutil aunque reiterativo homenaje al clásico “The Rocky Horror Picture Show”; el desenfreno del aclamado musical  va de la mano con el clima de efervescencia y descontrol propia del aprendizaje juvenil. Segundo, un BSO de lujo, sobretodo, para un amante de la música de los 80s y 90s con temas de grupos consagrados como The Smiths, New order, Sonic Youth, Cocteau Twins, David Bowie, entre otros.

  

The perks of Being a Wallflower es un retrato lúcido, mesurado y conmovedor sobre el mundo estudiantil, que tras su apariencia de sencillez y nostalgia encierra todo un drama adolecente enfocado con soltura y gracia. Los personajes se tornan universales y los temas que toca son variados y serios, nada exclusivos de la juventud: la homosexualidad, la discriminación, el bulling, las drogas, etc. En suma, una película entrañable para todos los públicos, cuyos discursos e imágenes se harán perdurables en el tiempo, heredera de clásicos como “El club de los cinco”, “la chica de rosa”, “la sociedad de los poetas muertos”, “Fucking Amal”, entre otros.

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER   - ESCENA DEL TÚNEL

INTERSTELLAR (C. Nolan, 2014)

UNA ODISEA DE LOS SENTIMIENTOS

En 1968 se estrenó “2001 Odisea del espacio”, la película de ciencia ficción más importante de todos los tiempos que impresionó al mundo por mostrar un alto desarrollo técnico en efectos visuales y sonoros, describir de la manera más realista y desoladora la experiencia de un viaje espacial y sobretodo, por fomentar un sinfín de debates en cuanto a los temas filosóficos y científicos presentes en la historia incluyendo su inexplicable final en relación al espacio-tiempo, el hombre y el universo. En suma, un filme que se adelantó a su época e inspiró a toda una generación de artistas, científicos, narradores, músicos,  técnicos y cineastas en la temática de la exploración espacial.

Irónicamente, 2001 fue criticada e incomprendida en sus inicios siendo tachada de abstracta y muy pretenciosa y sólo se alzó con el Oscar a mejores efectos visuales en los premios de la academia.  47 años después, otra gran película de ciencia ficción, calificada de confusa y presuntuosa logra ganar un único premio en la misma categoría. Es el caso de Interstellar de C. Nolan, uno de los mejores directores de la actualidad y autor de películas memorables como Memento, El origen y la trilogía de Batman, el caballero de la noche.

La trama de interstellar se sitúa en un presente caótico donde el planeta se hace cada vez más inhabitable por la contaminación y las plagas que han destruido las cosechas y consumen el poco oxígeno que queda en la Tierra. En medio de esta fatalidad vive Cooper, un piloto retirado, ingeniero y granjero, dedicado al cuidado de sus hijos, Tom y Murphy, con quienes mantiene una relación muy especial desde la muerte de su esposa. Luego de descubrir una base secreta de la Nasa, Cooper decide aceptar la misión de partir hacia nuevos mundos que sean habitables con la esperanza de salvar a su familia. Se inicia así, una odisea interestelar marcada por la angustia, la pena, el remordimiento, la soledad, la fe y el amor.

La película se divide en tres partes. La parte inicial que es una fase de exploración de los personajes y de los sentimientos de estos que sirven de base para entender toda la trama. Nos ofrece en casi 30 minutos un amplio y emotivo panorama del ambiente familiar y los lazos tan afectivos y profundos que rodean a Cooper, un personaje taciturno, nostálgico, que resume en su dura mirada la resignación por un mundo que va camino a la destrucción y lo único que lo mantiene atado a la tierra es el vínculo familiar con sus hijos, sobretodo, con Murphy, la niña que ve “fantasmas” y que es regañada por su maestra por creer en la veracidad y utilidad de los viajes espaciales. La comunicación con Murphy es crucial para entender el desarrollo de toda la historia y abre una dimensión única e irrepetible en toda la película.

La segunda parte corresponde a la exploración espacial. Cooper y un grupo de astronautas tienen la misión de llegar a Saturno donde han descubierto un agujero de gusano que puede servir de puente para explorar 12 exoplanetas con características similares a los de la Tierra suficientes para desarrollar vida. El responsable del proyecto es el Dr. Brand quien trata de resolver la fórmula que le permita controlar la gravedad y hacer posible los viajes tripulados a uno de estos mundos. La descripción del espacio y de la compleja relación entre los científicos que viajan acoplados a una estación circular es uno de los grandes logros de la película. Todos son capaces de transmitir fehacientemente el compromiso ineludible de prolongar la especie aunque sea a costa de sus propias vidas con toda la carga de angustia y coraje que acarrea ello. La experiencia audiovisual es fascinante y pausada, el espacio ingrávido cobra un protagonismo sustancial per se y es un claro reflejo del carácter emotivo que rodea toda la historia. El silencio, la oscuridad, el abatimiento sicológico, etc. llevan el sello inconfundible de un C. Nolan enorme e inmerso tanto en los increíbles planos que nos alejan cada vez más de la tierra y nos acercan cada vez más al universo espiritual de cada uno de sus protagonistas. En ese sentido, quizá Interstellar sea una de las películas más realistas dentro del cine de ciencia ficción 


       

A estas alturas, la actuación de M. McConaughey como Cooper es magistral. Un personaje difícil que tiene que lidiar entre la tristeza y el dolor por estar ausente durante la mayor parte de la vida de sus hijos e ignorar completamente si volverá a ver a su familia, sus amigos o al planeta que progresivamente desaparece ante sus ojos. El personaje de cooper lleva un viaje interior propio que se torna ambiguo, lúgubre aunque con algunas luces. Los momentos de tensión con la doctora Amelia Brand o con el Dr. Mann son los más  reveladores;  a pesar de estar a millones de km de la tierra, la humanidad de los personajes es latente.

La tercera y última parte es quizá la más  emocionante e introspectiva, propia del cine de Nolan, como el final de “El origen” donde el protagonista principal lucha por no sucumbir y quedar atrapado en uno de los niveles del sueño que es su realidad y cuya dimensión temporal podría destruir su mente confundiendo lo real con lo irreal, el recuerdo de un amor con la mujer que amó. En esta parte, Cooper lucha contra sí y contra los recuerdos de Murphy para tratar de salvar el destino de la humanidad a través de un espacio-tiempo con múltiples dimensiones donde las emociones pueden fluir más deprisa que la velocidad de la luz. Realidad virtual, ensoñación, mundos paralelos, dimensiones espaciales, etc.; los temas que le fascinan a Nolan son los más enrevesados para el espectador quien precisa de toda la paciencia y atención para captar los detalles y la belleza de las imágenes, los colores, las sensaciones y el cúmulo de emociones que estas producen.

C. Nolan se vale de todo el despliegue técnico y argumental, que, aunque trata de enlazar conceptos y realidades complejas y distantes, con todas las inexactitudes que pueda tener, el resultado es verosímil ya que el guion se sostiene más en los personajes, el suspenso y el drama que en los efectos y la veracidad científica de los acontecimientos de la ficción. Cabe resaltar por igual la simplicidad y efectividad de la música (espectacular BSO de H. Zimmer)  para conmover y aligerar la tensión y la presencia de personajes claves como el de la Dra. Brand (excelente Anne Hathaway) o los robots móviles con sentido del humor, que son toda una sensación.

La reseña inicial sobre la importancia capital de 2001 no es gratuita ya que son evidentes las claras referencias cinematográficas a la monumental obra de Kubrick, desde la transversalidad de los temas que aborda hasta lo incierto de los planos e imágenes finales pasando por algunos trazos musicales que se asemejan al “así habló Zaratustra”. El mismo C. Nolan ha confesado su profunda admiración por la película y el cine de Kubrick.

Interstellar es una gran película de ciencia ficción que merece verse con calma y con una curiosidad constante por conocer el universo y  lo que nos depara el futuro, a la vez, funciona como una búsqueda interior de uno mismo: cuánto heroísmo y pasión podemos contener e irradiar al mundo. Una exploración sobre las posibilidades de escapar hacia mundos desconocidos, conservando y protegiendo el sentimiento más auténticamente humano de todos: el amor, que como dice la Dra. Brand: “es lo único que trasciende el tiempo y el espacio”.


INTERSTELLAR   TRAILER

BLACK COAL, THIN ICE (Diao Yinan, 2014)

  

UN GELIDO DESPERTAR

Black Coal, Thin Ice, fue la película ganadora del Oso de Oro en el último festival de Berlín, imponiéndose a grandes películas de directores conocidos como Aimer, boire et chanet de Resnais, Boyhood de Linklater y El gran hotel Budapest de Anderson. Quizá, la atmósfera de tonos grisáceos que envuelve toda la trama con personajes e historias que funcionan como una tragicomedia y un espectáculo de lo más decadente, ingrávido y extravagante de la sociedad china, fue determinante. A la vez, la película resulta como una vía de escape para sus protagonistas; todos ocultan un pasado que prefieren sepultar y más aún un presente caótico e imperceptible. No hay ímpetu, ni armonía, sólo un clima enrarecido de una extraña resignación.

El personaje central, Zhang zili, es un ex policía que recupera el rastro de un caso criminal que dejó hace 5 años e intenta resolverlo sobre la base de un nuevo homicidio y una misteriosa mujer, Wu zhizhen, con la que se involucra en una extraña y sombría relación; eje dramático de la historia. El protagonista está marcado por la tragedia y la soledad desde la escena inicial en la que aparece abrazado de su esposa que instantes más tarde le abandona en la estación de un tren. A partir de ahí, Zhang se refugia en el alcohol y la nostalgia por algo que le motive a seguir viviendo como la búsqueda del asesino o el alivio que le conforta estar al lado de una mujer hermosa pero extremadamente fría e indiferente.

Zhang Zili es un personaje fascinante que encierra una personalidad ambivalente única; a ratos, totalmente hilarante y otras veces, tenso e instigador, muy parecido a los personajes inexpresivos de T. Kitano. No podemos asegurar nada respecto a sus sentimientos, es por eso que la relación con Wu es de lo más curiosa y desconcertante. La impávida y calculadora Wu, se convierte en una femme fatale en potencia capaz de destruir todo lo que le rodea. El personaje más pacífico puede resultar siendo el más aterrador. Los momentos en que Zhang visita una lavandería con el único interés de ver a Wu, así sea su silueta de espaldas quieta por varios minutos mirando al vacío, son de los más memorables y perdurables. La química es inmediata y no se necesita de la palabra, sólo los gestos y el cuerpo de ambos que se miran y se tocan con locura. A medida que ambos personajes se cruzan la historia se hace más intensa y ambos logran una conexión especial, aunque, bajo un halo de escepticismo y desconfianza. Zhang y Wu se acercan y se alejan a la vez.

La película de Diao Yinan funciona también como una suerte de alegato de una sociedad que crece en medio del desorden y la indiferencia de un sistema que privilegia los derechos y libertades individuales frente a los de la comunidad lo que va a contracorriente con la tradición china. Un lugar donde las minas de carbón son el símbolo de un progreso material e inhumano que no entiende de valores y el blanco del frío invernal es una metáfora del desconcierto y la miseria que parece cubrirlo todo. En ese sentido la película adquiere un matiz social muy fino pero presente y una filosofía de la sociedad algo lúgubre y desesperanzadora

Aunque el elemento diferenciador por encima de la historia y el drama es la narrativa que imprime una estética surrealista llena de imágenes oníricas de tonos e iluminaciones que evocan la modernidad y el absurdo de un mundo violento e informal. La calidad artística del filme es enorme.  La exposición de los primeros planos de los rostros que buscan adivinar o entender el accionar de los personajes, sus motivaciones y angustias. La fluidez con que se desarrolla la historia que permite a Zhang unir cabos sueltos y dar rienda a sus  instintos para llegar a la verdad. La música, breve y precisa, que se manifiesta a través de unos sonidos muy bellos de chelo y violín, suficientes para amalgamar la casualidad e ironía del momento con el deseo más impetuoso. Por ejemplo, el estado de liberación y éxtasis presente en la escena final, uno de los finales más poéticos.   

    

Black Coal, Thin Ice es un excelente thriller policial cuya historia se desmenuza a partir del crimen y la vacuidad de las circunstancias y los protagonistas. Tiene elementos del mejor cine negro ya que sus personajes e historias se mueven en un mundo amoral y marginal, lleno de climas densos donde apenas se puede distinguir el rostro de la razón y la cordura.


BLACK COAL, THIN ICE   TRAILER

    

MAGICAL GIRL (Carlos Vermut, 2014)

                                                                                                         “En medio del camino de la vida,

                                                                                                 errante me encontré por selva oscura, 

                                                                                                           en que la recta vía era perdida”  

                                                                                                                                                 (Dante)



LA NOCHE OSCURA DEL ALMA

Magical Girl es el segundo filme del director madrileño Carlos Vermut y es considerada por muchos como la mejor película española del 2014. Inclasificable, oscura y silenciosa. La película de vermut juega con una representación de la realidad que es en su devenir deforme, incompleta y moldeable según la experiencia e historia del espectador. Cada plano es un acercamiento a lo más recóndito y tenebroso del alma humana y una invitación a contemplar de manera cínica e indiferente una serie de historias y/o personajes que sabemos existen pero que quisiéramos evitar a toda costa.

La película se divide en 3 historias. Luis, un padre que vive a las justas desesperado por cumplir con el deseo más amado de Alicia, su hija, antes de morir de leucemia. Bárbara, una mujer esquizofrénica y depresiva sin más motivos para vivir que el de complacer y obedecer a su marido que es a la vez su confidente y  doctor,  envuelta en un caso de chantaje que es el giro dramático de toda la historia. Finalmente, Damián, un hombre mayor quien acaba de salir de la prisión y cuya fatalidad fue cruzarse con Bárbara, personaje central de toda la trama que acabará afectando dramáticamente la vida de todos. A medida que avanza la película y los personajes coinciden la historia se hace más sombría y desoladora y los protagonistas se tornan totalmente instintivos y extremos, todo, narrado con un halo de misterio y un sentido nihilista y contemplativo de la vida, el destino y el azar

 La película de Vermut se organiza de manera fragmentaria, nunca llegamos a saber el propósito de cada personaje y eso es uno de sus grandes aciertos; sugerir, dejar vacíos, confrontar  ideas y jugar con el espectador. Para el director es mucho más importante el silencio y lo que se deja de decir o mostrar que lo que la historia nos deja entrever. Carlos vermut proviene del mundo del comic y quizá esto explique un guion que parece surgir del bosquejo y que transmite todo lo que es capaz de transmitir a partir de lo banal y absurdo de una imagen inquietante o violenta

Otro elemento importante es el manejo de los tiempos y encuadres que obedecen a una precisión quirúrgica propia del cine de Kubrick, Eastwood o los Dardenne. Por ejemplo, la conversación entre Bárbara y su amiga o entre  Luis y Damián dentro de un bar se desarrolla con la naturalidad y la frialdad psicológica inherente a la situación y a los personajes, es así, que podemos entender y acaso, sufrir la marginalidad y el horror de los sentimientos y conductas de estos. De paso, los actores están formidables y logran rescatar la intensidad y lo desgarrador del momento en cada una de las escenas.

La primera película de Vermut, Diamond Flash, funciona de manera parecida aunque con mayores influencias del comic y del cine experimental. Los personajes se desbordan y se pierden por momentos y las historias se van enlazando a través de una línea de ficción muy sutil pero bastante iluminadora. Además, afín a los nuevos tiempos, fue estrenada por la red. Magical girl es menos frágil en su estructura y más llamativa y cruda. Las influencias, aunque no necesariamente reconocidas por el director, son latentes. Desde el cine truculento e hipnótico de David Lynch y la perversión y la sugerencia erótica de Buñuel  hasta la decadencia y la introspección de Haneke pasando por la estética de la violencia (y del comic) de Tarantino.

Magical girl es una magnífica sorpresa para los amantes del cine, marca todo un hito en cuanto a su estilo y narración.  Es una película compleja, que hiere por su crudeza pero a la vez te desconecta de la realidad y  rompe todos los esquemas, justamente, lo que distingue a las grandes obras. Definitivamente, todos los ojos están puestos en Carlos Vermut y Magical girl, una de esas películas que todo joven realizador soñaría exhibir como opera prima (o como segunda obra)


MAGICAL GIRL  TRAILER

EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO (P. P. Pasolini, 1964)

"Soy anticlerical (¡no tengo miedo de decirlo!), pero sé que hay en mí dos mil años de cristianismo. Sería loco si negase tal poderosa fuerza que hay en mí" (P. P. Pasolini)



EL EVANGELIO SEGUN PASOLINI

La semana santa es una gran oportunidad para reflexionar, disfrutar en familia y ver películas y documentales sobre el cristianismo y Jesús, no obstante, la mayoría de películas son las clásicas que todos conocemos y de vez en cuando alguna nueva versión de Jesús o de alguna historia bíblica que en realidad son más de lo mismo y no llaman mucho la atención. Dentro de todas las versiones sobre la historia de Jesús hay una que resalta por su naturalidad, expresividad, fidelidad al texto, música, fotografía, discurso social y por mostrar una imagen humana, sencilla y mordaz de Jesús.

Me refiero a “El evangelio según San Mateo”  de Pier Paolo Pasolini, una película que en su momento fue muy atacada por el solo hecho de ser dirigida por Pasolini, quizá, el director más iconoclasta y controversial de todos los tiempos, famoso por sus películas cargadas de erotismo, sexualidad, procacidad, poesía e imaginería anticlerical, como por ejemplo su famosa trilogía de la vida compuesta por “El Decamerón”, “Los cuentos de Canterbury” y “Las mil y una noches”, que son todo un homenaje a la libertad, el sexo y la vida.

P. P. Pasolini era un pensador y artista antisistema, ateo, marxista y homosexual,  características que lo llevaron a ser uno de los cineastas más innovadores y complejos de su tiempo; un artista único poseedor de un gran talento para convertir cualquier historia e imagen en una obra de arte llena de belleza e imaginación. La mayoría de sus películas son consideradas como verdaderas joyas cinematográficas y siguen inquietando aún en los albores del siglo XXI.

“El evangelio según San Mateo” es la versión más hermosa, poética y original sobre la historia de Jesús  y es una de las versiones más fieles al texto de Mateo, al punto de recitar las mismas estrofas bíblicas y seguir la misma estructura contenida en los 28 capítulos del evangelio. Hecha acertadamente en blanco y negro, lo que le da una belleza visual etérea, en medio de paisajes ruinosos (la mayor parte de la película se rodó en Sicilia), con actores no profesionales (hasta el mismo actor catalán que hace de Jesús) y con una naturalidad de líneas y evocaciones que muestran un Jesús sonriente (pocas veces visto en la historia del cine), enojado, temeroso, emotivo, recto, consolador, es decir, con características humanas y motivaciones espirituales pero también sociales y políticas.

 A diferencia de otras películas, que muestran un enfoque más plúmbeo y completamente divino respecto al mesías, el Jesús de Pasolini es un profeta que predica y practica la bondad y la compasión en medio de un mundo lleno de injusticia, indiferencia y corrupción hasta del mismo sanedrín que es atacado por Jesús con vehemencia y justicia. En ese sentido, el mensaje del director, al parecer, es mostrar un Jesús que denuncia las injusticias y tiene un sentido social y de compromiso sin dejar de lado su mensaje de paz y de unión que va más allá de cualquier región, raza o credo. La reflexión podría ser, ¿ acaso estamos preparados para renovar el verdadero mensaje cristiano en un mundo que ha cambiado poco o nada que hace 2,000 años respecto a la injusticia, la indiferencia y la corrupción ?

Otro elemento fascinante de la película es la música. Pasolini emplea temas de Bach, Handel, Mozart y música africana en ciertos episodios que exaltan el discurso del mesías, el milagro realizado y los momentos más llamativos de su ministerio. Es interesante también resaltar lo dramático e idílico que pueden resultar las escenas de la pasión y de la crucifixión con elementos tan sencillos como la música, las sombras, los planos fuera de enfoque, etc,  sin necesidad de agregar elementos de tortura y sangre. En ese sentido, el ateo Pasolini resulta más convincente y humano que el católico Mel Gibson con su enfoque de la crucifixión lleno de brutalidad y sadismo.                   

“El evangelio según San Mateo” es una gran película de una sensibilidad artística y religiosa única, irónicamente, hecha por el director más irrespetuoso y anticlerical de todos, que supo expresar el lado más humano y místico de Jesús. Como un dato anecdótico,  en julio del 2014, la película fue nombrada como la mejor y la versión más verídica sobre las hechas sobre Jesús por el diario oficial del Vaticano.


EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO  -  ESCENA DE LA ANUNCIACIÓN

CHAPPIE (N. Blomkamp, 2015)

CHAPPIE, EL OTRO HUMANO

En el 2009, el director sudafricano Neill Blomkamp dirigió “Sector 9”, una película de ciencia ficción con una clara orientación política que denunciaba un sistema de marginación y explotación hacia una colonia de alienígenas asentados en un suburbio conocido como distrito 9. La película asombró por su originalidad, su nivel técnico y su discurso anti apartheid. Luego de 4 años, Blomkamp estrena “Elysium”, otra película de “ciencia ficción” que, en la misma línea que su antecesora, repite y convierte en temas centrales de su cine la exclusión y la indiferencia de un grupo de “privilegiados” sobre otro de “marginales” que luchan entre sí por un futuro mejor y menos caótico.

 “Chappie” es la tercera película de Blomkamp que narra la historia de un robot policial bautizado como chappie una vez que este adquiere capacidad para sentir y razonar a través de un software especial elaborado por el ingeniero inventor del grupo de robots. Es así que chappie aprende rápidamente en medio de un grupo de pandilleros; un “padre” violento y embaucador y una “madre” totalmente inusual que le brinda cariño y protección. Tras pasar por experiencias muy duras, chappie está listo para poder sobrevivir y diferenciar lo correcto de lo incorrecto gracias a su “familia”, las lecciones de su ingeniero creador y las reglas programadas que tenía como robot, logrando un sentido humanitario más vital que el de las personas de su entorno.

Pero la película va más allá y explora los límites de la inteligencia artificial y de la condición humana al sugerir poder transferir lo trascendental del ser humano: sentimientos,  mente y conciencia, de un organismo a otro. En ese sentido, la película de Blomkamp nos hace reflexionar sobre la esencia humana, qué nos hace más humanos o menos humanos respecto a otras personas u organismos, robots, computadoras, etc., que en principio pensamos son totalmente distintos. Cuánto de nosotros es necesario sacrificar para poder aceptar una convivencia normal con personas de culturas, razas u organismos diferentes. Mientras en “sector 9”, el “otro” es el alienígena, y en “Elysium” es el marginal en “Chappie”, el otro es el robot que se comporta como humano y se pregunta por qué las personas matan y se hieren unas a otras.

Con una gran dosis de humor, una ambientación dura y gris, un ritmo trepidante y grandes actuaciones, Chappie es una de las mejores películas estrenadas en lo que va del año y convierte a N. Blomkamp en un director que hay que seguir con interés y predilección

CHAPPIE   TRAILER